domingo, 23 de diciembre de 2012

Rituales para esperar el nuevo año.


Comer lentejas: Símbolo de la abundancia y la prosperidad. Se recomienda comer tres cucharadas a las 11:45 de la noche.

Las doce uvas: Por cada campanada comer las uvas y pedir un deseo en cada bocado.

Prendas de vestir: Tradicionalmente la ropa interior debe ser amarilla, que significa estabilidad económica y buenas energías. Si se busca amor, es recomendable el color rojo y para los cambios espirituales y emocionales, el blanco.

Dinero: Al recibir el año, se recomienda tener en los bolsillos billetes de diferentes denominaciones para atraer la fortuna. Además, colocar un plato de vidrio con monedas y arroz para los negocios. A las 12:00 de la noche se meten las manos en una fuente con azúcar y luego se lavan con champagne y otros recomiendan hacer una mezcla de esencia de vainilla con canela en polvo y antes de la media noche, lavarse las manos con esta mezcla.

Viajes: Si se desea viajar, después de las 12 campanadas hay que salir a la calle con maletas que tengan algunas prendas de vestir.

Velas: Representa el elemento fuego y se utiliza para atraer el amor y la unión familiar, por lo que es recomendable encender un velón rosado o blanco antes de las 12:00 de la noche.

Subir a una silla: Antes de reventar el año hay que subirse a una silla o escalera, esto es símbolo de ascenso. También lo hacen las mujeres solteras para conseguir pareja.

Botella de Champagne: La noche del 31 de diciembre se debe brindar con vino espumante porque las burbujas representan la felicidad que se tendrá durante todo el año.

Amor: Para conseguir el nuevo amor, hay que asegurarse de que el primer abrazo del año sea a una persona del sexo opuesto cuando llegue el año nuevo.

Estos son algunos de los consejos que encontré para recibir el nuevo año,  añado escribir en un papel las cosas que deseas que desaparezcan de tu vida, quemando después este papel y tirando las cenizas por el sanitario. En otro papel escribir tres cosas que deseas que ocurran en ese nuevo año y guardarlo en una cajita muy cerca de ti, por ejemplo en tu mesita de noche.

martes, 4 de diciembre de 2012

4 de Diciembre, dia de Santa Bárbara.

Santa Bárbara, oleo s/lienzo 95 x 78 cm. 1771-1775 Francisco de Goya.
 Santa Bárbara es un óleo de temática religiosa pintado por Francisco de Goya en sus primeros años, en concreto durante su etapa joven en Zaragoza.
La santa es una mártir cristiana del siglo III muy venerada en España y principalmente en Aragón. Este cuadro se realizó poco después de la llegada de Goya de su viaje a Italia, donde se inspiró en el arte grecorromano para emprender esta obra. Algunos detalles de la cabeza y del cuerpo fueron preparados por dibujos del Cuaderno italiano.
Goya representa a la santa como una bellísima mujer de elevada posición social, como lo delatan sus ropas. En la mano derecha porta la Santa Custodia y en la izquierda la palma de su martirio. Al fondo aparece la torre de su cautividad y un rayo. A la izquierda el Ejército Real, del que la santa era patrona. Goya recorre el cuerpo de la santa creando un interesante ritmo acentuado por un gran foco de luz.

Santa Bárbara forma parte de la lista oficial del martirologio de la Iglesia Católica y según el calendario o santoral católico su fiesta se celebra el 4 de diciembre.
Según la tradición cristiana, habría nacido en Nicomedia, cerca del mar de Mármara, hija de un rey sátrapa de nombre Dióscoro, quien la encerró en una torre. El motivo del encierro pudo haber sido para evitar que los hombres admiraran su belleza y la sedujeran, o para evitar el proselitismo cristiano. Durante una ausencia de su padre, Bárbara se convirtió al cristianismo, y mandó construir tres ventanas en su torre, simbolizando la Santísima Trinidad. Su padre se enteró del significado del simbolismo de estas ventanas y se enfadó, queriendo matarla. Por eso, Bárbara huyó y se refugió en una peña milagrosamente abierta para ella. Atrapada pese al milagro, se enfrenta a su destino.
Su martirio fue el mismo que el de San Vicente Mártir: habría sido atada a un potro, flagelada, desgarrada con rastrillos de hierro, colocada en un lecho de trozos de cerámica cortantes y quemada con hierros al fuego. Finalmente, el mismo rey Dióscoro la envió al juez, quien dictó la pena capital por decapitación. Su mismo padre fue quien la decapitó en la cima de una montaña, tras lo cual un rayo lo alcanzó, dándole muerte también.
Se la suele representar joven, bien con la palma del martirio, bien con plumas de pavo real, pues este animal es símbolo de la resurrección o la inmortalidad, y aparece ya en la más antigua representación conocida, que data del siglo VIII (Santa María la Antigua, de Roma).
También suele aparecer con su atributo, una torre con tres ventanas, apareciendo unas veces encerrada en la misma y en otras la torre aparece a su lado o en miniatura sobre una de sus manos. El significado de esta torre con tres ventanas es el refugio de la fe en la Santísima Trinidad. Y suele llevar corona, que admite variaciones: en algunas es la de una princesa y en otras es una corona completa formada de varias torres.
La imagen de santa Bárbara también aparece a veces asociada:
  • Con la espada con la cual fue decapitada, lo que ha contribuido a que sea asociada con la guerra, pero dicha espada representa un símbolo de fe inquebrantable.
  • Con un cáliz, que significa su conversión al catolicismo.
  • El rayo que cayó en su martirio ha hecho que sea relacionada con los explosivos y así es patrona del arma de artillería, cuyo escudo son cañones cruzados y la torre es la heráldica de los ingenieros y zapadores. El depósito de explosivos en los buques recibe el nombre de Santabárbara.
  • Con una rama de olivo entre sus manos, representando el martirio.
  • Con una manto rojo, cáliz de la sangre de Cristo.
 

lunes, 19 de noviembre de 2012

VII edición Curso de diseño y montaje de exposiciones, Alicante.

El pasado sábado, como parte del Curso de diseño y montaje de exposiciones, organizado por el Instituto Alicantino Juan Gil-Albert, asistimos a una visita guiada al MUBAG, Museo de Bellas Artes Gravina, de Alicante. El objetivo de la visita, conocer el trabajo de curaduría, diseño y montaje de la exposición "El siglo XIX en el MUBAG". En realidad fue bastante escasa la información que recibimos, y ni siquiera nos permitieron hacer fotos Por esta razón les dejo fotos que encontré en internet de algunas de las obras que forman parte de esta exposición permanente.

"Fruttarolla" 1889 Óleo sobre lienzo, 230’5 x 128 cm . Pedro Serrano Bossio (Alicante 1865-?)
Esta obra figuró en el catálogo de la Exposición Provincial de Alicante celebrada en 1894 con el título de La frutera. Como aclara la inscripción que figura en la parte inferior derecha de la tela, Serrano Bossio la pintó en 1889 en la capital italiana mientras disfrutaba de la pensión concedida por la Diputación de Alicante.
 
"Juego de niños" Óleo sobre lienzo, 65 x 39′S cm. Lorenzo Casanova Ruiz, Alcoy (1844-Alicante,1900)
Pintura seguramente del periodo italiano del artista. La composición rehuye la presencia de cualquier elemento definidor del espacio. Con una técnica que pone a prueba la admiración que sentía por Velázquez, las figuras, pese a las faltas de referencias convencionales, producen la impresión, a través de las sombras dejadas por el muchacho, de encontrarse en un espacio tridimensional Pese a que no vemos las líneas del suelo ni de la pared claramente marcadas, la estancia está bañada por una luz clara de tonos marrones y grises que crea La ilusión de realidad. La pincelada suelta y pastosa aporta una nota de espontaneidad al cuadro.
 
"Oración al amanecer" Óleo sobre lienzo, 81 ’5 x 65 cm. Lorenzo Casanova Ruiz (Alcoy,1844-Alicante,1900)

"Oración al amanecer" puede considerarse una de las obras más delicadas de tema religioso o, en este caso todavía mejor, devocional, llevadas a cabo por Lorenzo Casanova. La presente tela es una clara demostración del interés del artista por la representación de los personajes infantiles. Los niños, en efecto, son los protagonistas de muchas de sus obras, revelando el gran amor que les profesaba, acaso como compensación, como se ha dicho, por no haber tenido hijos en su matrimonio.
 
  
MUBAG, Alicante.


 

viernes, 16 de noviembre de 2012

El siglo XIX en el MUBAG, Alicante.

Foto del catálogo de la exposición.
 
NUEVA PERMANENTE MUBAG

A partir del 6 de noviembre de 2012.

Primera Planta.

EL SIGLO XIX EN EL MUBAG. De la formación a la plenitud de un artista, reúne lo más sobresaliente de la pintura alicantina del siglo XIX. La exposición quiere dar a conocer la carrera y los logros de los principales artistas de la provincia, presentes en la colección de Diputación y que contribuyeron a dar fama a la llamada escuela valenciana, hoy referente en la Historia del Arte Español. La muestra se enriquece con piezas que por primera vez se exponen en Alicante. El resultado final es único y fruto de la colaboración con obras procedentes del Ayuntamiento de Alicante y de las colecciones de museos tan importantes como el Museo Nacional del Prado y el Museo Sorolla, en Madrid y el Museo de Bellas Artes de Valencia.

La muestra se compone de más de sesenta obras, ordenadas cronológicamente, que narran las etapas por las que pasaba un pintor de la época: primeros años de Formación, participación en Exposiciones y premios obtenidos en ellas; Plenitud artística y Reconocimiento internacional.

La colección de la Diputación de Alicante cuenta en sus fondos con una amplia representación de los artistas que destacaron a partir de la segunda mitad del siglo XIX. En1863, la Diputación decidió apoyar la creación artística alicantina mediante la concesión de pensiones, para que los artistas pudieran ampliar sus estudios en la Academia de Bellas Artes de Madrid y, después, en los grandes centros del arte mundial Roma y París. Fue así como se formó el gran núcleo de pintura del XIX que alberga la colección actual, con los ejercicios del examen para obtener la beca y los cuadros y esculturas obligatorias que los artistas enviaban desde el extranjero. Prueba de ellos son las obras de Fernando Cabrera, Pedro Serrano Bossio o Francisco Bushell, entre otros.

De la Pinacoteca Nacional se cuenta con catorce obras, destacan las premiadas en las Exposiciones Nacionales de Bellas Artes, en las que fueron asiduos
participantes los artistas de la provincia como Vicente Poveda, Ricardo Navarrete y Fos o Heliodoro Guillén, con cuadros de historia y realismo social.

El tema del retrato y el costumbrismo también están presentes en la exposición con magníficos ejemplos de la producción de Emilio Sala, Antonio Gisbert y Joaquin Agrasot en la plenitud de sus carreras.

La incorporación de la figura de Joaquín Sorolla pone punto y final a una etapa de pintura de estudio, marcada por el academicismo, dando paso a temas pintados al aire libre donde lo importante ya no es el rigor en la representación, sino la transmisión de otros conceptos como la luz y el color. Estos valores de la pintura de Sorolla, serán el referente de los artistas alicantinos a comienzos del siglo XX, como el caso de su discípulo Emilio Varela, cuya obra se puede contemplar en el MUBAG.
 
Museo MUBAG, Museo de Bellas Artes Gravina, Alicante.

miércoles, 14 de noviembre de 2012

"El niño de la bota infortunada". Historias de Santa Clara.

 
Esta fuente  mas conocida popularmente como “El niño de la bota” aunque el nombre real  de la escultura es "El niño de la bota infortunada" fue instalada en el parque  Leoncio Vidal en Santa Clara,  el 15 de julio de 1927, en homenaje al aniversario 238 de la fundación de la villa.

                           
                                                 Foto de la época.
 
Los proyectos realizados para la construcción del parque tuvieron varias modificaciones hasta  que se aprobó el definitivo, el 18 de abril de 1921. En este proyecto se contemplaba la inclusión de una pequeña fuente y para esto se buscó en catálogos, ideas o figuras que aportaran belleza o singularidad a la misma. La figura del “Niño de la bota infortunada”  se encontró en un catálogo de sugerencias de una famosa casa de venta de objetos de artes, la  J.L. Mott Company, de New York. La estatua estaba realizada en calamina y fue fabricada en serie, lo que hace suponer que no es la única en el mundo, su  coste fue de $747.32. Representa a un niño de 6 ó 7 años con gorra y hace alusión a los niños que durante la guerra de secesión de los Estados Unidos utilizaban sus botas para llevar agua a los heridos y enfermos de la contienda.
 
A principios de 1959 la fuente es trasladada unos metros más al oeste, casi enfrente al teatro “La Caridad”, con este traslado fue remodelada la forma de la misma, utilizándose granito gris y verde en la nueva construcción. Con el trascurso de los años la estatua sufrió varios actos vandálicos, la bota fue arrancada y robada,  en otra ocasión sus pies tambien fueron mutilados. En 1969, se decide retirarla del sitio por el aspecto tan deteriorado de la misma. Los fragmentos del original son envíados al Museo Provincia de Villaclara, el 7 de octubre de 1970.

En 1989 con motivo del 300 Aniversario de la Fundación de la Ciudad, y por las labores de restauración y embellecimiento de la ciudad de Santa Clara, se le encargó al escultor José Delarra una réplica en bronce de la estatua y se recuperó la forma  inicial de la fuente.
 
Fuente en la actualidad.


 
 

martes, 13 de noviembre de 2012

13 de Noviembre, natalicio de Marta Abreu.

Un día como hoy 13 de noviembre, en el año 1845, nació Marta de los Ángeles  Abreu Arencibia,  más conocida por “Marta Abreu la benefactora de Santa Clara”.
 
Teatro "La Caridad" grabado de la época.
Muchos fueron sus esfuerzos para construir obras en beneficio de esa ciudad, la más emblemática la construcción del teatro “La Caridad” inaugurado el 8 de septiembre de 1885, por un valor de $ 150 000, 00 pesos. Las recaudaciones de sus funciones se utilizarían después para soportar los gastos del asilo de los pobres.
 
Teatro “La Caridad”, en la actualidad.
También se preocupó por facilitar el trabajo de las mujeres construyendo lavaderos públicos para evitar que lavaran en las márgenes de los ríos Bélico y Cubanicay. La estación de Ferrocarriles y el Cuartel de bomberos fueron también financiados por Marta Abreu. Asimismo compró equipos, muebles e instrumental  para el Observatorio Municipal de Astronomía.

Estación de ferrocarriles, en la actualidad.
Cuando estalló la guerra de independencia en 1895, Marta y su esposo decidieron emigrar hacia París, Atrás quedaban Cuba y su amada Villaclara. Declinando el ofrecimiento de la corona española de nombrarla Condesa de Villaclara, continuó desde la distancia ayudando a las tropas mambisas en su lucha por la independencia de Cuba.
El 24 de junio de 1924 el pueblo de Santa Clara le erigió el hermoso monumento en bronce que se ubica en el centro del parque Leoncio Vidal, homenaje perecedero de la cubana que todo lo dio a favor de su patria y de su Santa Clara natal, ciudad que hoy se honra de ser la Ciudad de Marta.

Monumento en el parque Vidal.
 

lunes, 12 de noviembre de 2012

Otra vuelta de tuerca: Crowd-Curated


Crowd-Curated que traducido sería algo así como: “Curaduría Multitudinaria”, consiste en que el público asistente a los museos sea quién decida que obras se exhibirán en ese museo.
Esta nueva tendencia experimental y poco ortodoxa ya ha tenido dos promotores conocidos mundialmente: el Brooklyn Museum y el Walters Art Museum. Estas exposiciones se desarrollaron por una decisión de los administradores del museo renunciando a su autoridad como expertos curadores de contenido y permitiendo a los visitantes seleccionar las obras que se mostrarían en el espacio físico del museo.
En mi opinión, estas exposiciones están utilizadas como trucos de marketing, destinadas a atraer un público más amplio, utilizando el slogan de "museos participativos."
Durante el mes de Agosto se exhibió en el Walters Art Museum, la exposición nombrada "Public Property" (Propiedad Pública) que contaba con más de 106 artículos entre pinturas, esculturas, manuscritos y joyas, elegidas con la votación de 53.000 votos, incluyendo para estos la utilización de votos via internet.
 

"A Wild Boar Hunt" (La caza del jabalí) obra escogida para participar en la exposición "Public Property". Pintura india,  representando al Maharaja Singh Bhao ( 1659-1682). (Walters Art Museum)
Curador, entre otras acepciones se denomina a la persona o personas responsabilizadas de diseñar una exposición, bajo criterios artísticos.

domingo, 11 de noviembre de 2012

Visita al MACA, Museo de Arte Contemporáneo de Alicante.

El MACA, Museo de Arte Contemporáneo de Alicante fue anteriormente el Museo de La Asegurada, inaugurado en 1977 gracias al espíritu emprendedor y la generosidad del artista alicantino Eusebio Sempere, que donó a esta ciudad su colección privada de arte.
El edificio situado en  la Plaza de Santa María, 3, en su origen fue un almacén de trigo y está considerado el edificio mas antiguo de la ciudad de Alicante, data su fecha de edificación de 1685.
El actual Museo MACA se inauguró definitivamente como tal el  22 de marzo de 2011.
 
      Eusebio Sempere frente a la Casa de la Asegurada, 1977. Foto archivo Municipal de Alicante


                                           Museo MACA en la actualidad


Desde el pasado viernes 9 de noviembre, asisto al "Curso de diseño y montaje de exposiciones" que en su séptima edición organiza  El departamento de Arte y Comunicación Visual Eusebio Sempere del Instituto Alicantino de Cultura Juan Gil-Albert. Entre sus actividades está la visita al MACA, para conocer la experiencia de los técnicos que allí trabajan en el trabajo previo y después en montaje de las exposiciones. Como parte de la visita conocimos el departamento de conservación y almacenaje de las obras, un local con estrictas medidas ambientales y un sofisticado sistema contraincendios. La visita aunque corta fue muy instructiva. La próxima semana visitaremos el Centro Cultural "Las Cigarreras".
 El curso además contempla varias conferencias y encuentros: “Discursos curatoriales y expositivos” a cargo de la comisaria, crítica y profesora de arte contemporáneo Isabel Tejada. El videoartista Eugenio Ampudia, el conservador de arqueología y director técnico del MARQ Manuel Olcina, la directora de la galería Aranapoveda de Madrid Christina Poveda, el artista Massimo Pisani o el coordinador de Programes Museístics Singulars del Museu Valencià de la Il·lustració i de la Modernitat -MuVIM- Rafael Company, son otros de los nombres propios que se dan cita en este curso.

Enlaces de interés:

http://www.dip-alicante.es/ga/gilalbert/pub/ins/quien.asp

http://www.maca-alicante.es/

viernes, 19 de octubre de 2012

Teresa Brutcher.

 Teresa Brutcher es una artista que utiliza el Hiperrealismo para trabajar sus obras exaltando los detalles a un grado máximo. Estas cuentan historias sobre las emociones y tienen un fuerte toque trágico, mientras buscan la provocación al burlarse de normas establecidas expresando una lucha constante, entre la inocencia de la infancia y la madurez cínica del mundo.
 
                                  "Ángel" oleo/lienzo 60 x 50 cm, 2006.
 
 Las imágenes parecen estar vivas, captando la realidad humana con todas sus preocupaciones y anhelos de amor y pasión en un desesperado intento de protegerse a sí mismas del dolor y la angustia.
 
                                     "Condenado" 100 x 100 cm, 2008.
 
Esta pintora nacida en Arizona en 1955 y afincada en Galicia desde hace años, dijo en una entrevista: ”Para mí la pintura es un modo de exorcizar los terrores, por eso los pinto”
 
                                  "Fetiche" oleo/lienzo 90 x 80 cm, 2005.
 
En 2008 vi sus obras en la exposición titulada “Reality Show” en el Centro Cultural Medina Elvira en Atarfe. Algunas de las obras que he dejado como ilustración de esta entrada pertenecen a aquella exposición.

 

sábado, 13 de octubre de 2012

"Falsificando: Fotografías Manipuladas antes del Photoshop", Museo Metropolitano de Nueva York. Octubre 2012.

A partir del 11 de Octubre de 2012, se puede ver en el Museo Metropolitano de Nueva York, la exposición "Falsificando: Fotografías Manipuladas antes del Photoshop", que recoge un gran número de fotos, algunas de ellas fechadas en el siglo XIX y comienzos del XX, cuando aún no existía ni por asomo el Photoshop.
Aquí les dejo algunas de ellas:


                          "Times Square, New York". Autor: Weegee (1899–1968) 
Famoso por sus fotografías arenosas y de crimenes sensacionalistas, Weegee dedica los últimos veinte años de su vida a lo que él llamó su "trabajo creativo". Él experimentó con lentes que distorsionaban la imagen y técnicas comparables del cuarto oscuro, produciendo caricaturas de fotos de políticos y celebridades de Hollywood, además de las duplicaciones y reflexiones, como esta imagen llamativa, que  calificó de "Times Square bajo 10 pies de agua en una tarde soleada." Foto realizada entre 1952 y 1959.

            
                       "The Sleepwalker" (El sonámbulo) 1935.  Autor: George Platt Lynes (1907-1955)
Lynes compuso esta imagen desde dos puntos negativos. Las costuras entre ellos fueron retocadas consiguiendo el aplomo perfecto de una imagen onírica.


                     "Christmas Card" 1949. Autor: Angus McBean (1904-1990)
El fotógrafo de los éxitos teatrales en Londres, McBean elaboraba retratos magistrales de los actores, así como extravagantes invenciones, incluidas las tarjetas de Navidad que enviaba a sus amigos más cercanos. En casi todas las tarjetas aparecía el barbudo y de ojos centelleantes McBean como la estrella de un escenario caprichoso. Aquí, él y su socio, David Ball, encuentran un desnudo colosal en un paisaje lunar árido, que recuerda mucho a las geografías surrealistas de Salvador Dalí y a Giorgio di Chirico.
 
 
"Audrey Hepburn, New York, Enero 1967". Autor: Richard Avedon (1923-2004)
 Avedon creó esta imagen fantasiosa de la actriz Audrey Hepburn para el primer número de la revista Famous Photographers. Después de fotografiar a Hepburn en el estudio, hizo un collage de varias imágenes impresas a escala, una hoja de Mylar con brocha de aire colocada sobre el collage oculta las costuras visibles. En el artículo adjunto, Avedon explicó que su interés en el fotocollage se inició de "años de ver las hojas de contacto y estar limitado por la realidad de lo que estaba delante de la cámara".
 
 
"Henri de Toulouse-Lautrec como artista y modelo" 1990. Autor: Maurice Guibert (1856–1913)
 La "doble cara", o "polypose", fue una imagen popular que se prestaba a infinitas variaciones imaginativas  para historietas. También fué un motivo atractivo a los artistas, que a veces creaban duplicaciones lúdicas de sí mismos. El pintor francés Henri de Toulouse-Lautrec, que era también un ávido fotógrafo aficionado, colaboró ​​con su amigo Maurice Guibert en este doble retrato en el que interpreta el papel de artista y modelo, confrontados con respecto con una expresión de fría ironía.
 
 
Si les interesa obtener mas información sobre esta exposición les dejo el enlace:
 

 


viernes, 12 de octubre de 2012

12 de Octubre....¿Celebración o luto?


Hoy se celebra en España el “Día del la Hispanidad” con desfile de tropas en derroche de pomposa  y acartonada postura de permanente superioridad. ¿Pero qué se celebra en realidad?, ¿ la muerte de millones de indígenas esclavizados, humillados, obligados a aceptar  creencias religiosas a costa de no ser quemados vivos?,  ¿la permanencia durante siglos en territorios usurpados por la ley del más poderoso?, ¿el expolio indiscriminado de riquezas materiales para engrosar las arcas de reyes?

Más que celebración este día es un recordatorio luctuoso de muchas muertes, de irremediables pérdidas culturales y de identidad. No, hoy no es día de alegrías, al menos para los que consideran la libertad un derecho propio.

 


jueves, 11 de octubre de 2012

Ramón Unzueta, el pintor de las mujeres tristes.


                           "Mujeres de Campo Florido II" Ramón Unzueta.

Ayer, leí en el blog de Zoé Valdés, que Ramón Unzueta había fallecido, aunque no le conocí resultó muy perturbadora la noticia de su muerte.

 Quizás porque frecuentemente Zoé escribía sobre él, quizás por la coincidencia de que ambos pintamos rostros tristes y mayoritariamente femeninos, Unzueta era alguien que me resultaba muy cercano, me agradaba ese aire melancólico y reservado de su presencia.

En su pintura abundan los rostros femeninos, de inmensos ojos acuosos y de sonrosadas mejillas. Del lozano aspecto se desprende una tristeza casi premonitoria de un adiós prematuro. Sus mujeres son de otra época, una versión femenina y tropical del joven Werther.

Hay días en que la muerte nos recuerda su inexorable presencia, nos quedamos atónitos, congelados, dándole vueltas al momento en que irrumpió sin avisar. En esta ocasión por la carrera truncada de un notable artista cada día más espléndido.
Ramón Unzueta nació en La Habana en 1962, murió en Tenerife el 5 de Octubre de 2012.

                          Ramón y Enaida Unzueta. Foto de Pedro Portal.




domingo, 30 de septiembre de 2012

Ernest Hemingway y Fidel Castro, una amistad fabricada.


La facilidad con que en Cuba se inventan leyendas es infinita y más aún si dan notoriedad al antiguo gobernante Fidel Castro.  Una de ellas es la “amistad” mantenida con Ernest Hemingway, afirmación que se apoya en una foto sin fecha y supuestamente dedicada por el escritor y que estaba a la vista de todos en la oficina del gobernante.

Hemingway salió por última vez de Cuba el 25 de julio de 1960. La situación de hostilidad entre los gobiernos de Estados Unidos y Cuba, hacían difícil la vida del escritor en La Habana.  Ya comenzaban las dificultades económicas y el aumento de la presencia de la Unión Soviética en el país presagiaba una crisis política a gran escala. Hemingway viajó pero no con la idea de abandonar definitivamente el país, dejó en la casa todas sus pertenencias, manuscritos, recuerdos importantes, y hasta la despensa llena de provisiones.  En su casa de la Finca La Vigía quedaron  su colección de obras de Arte, su máquina de escribir y parte de su vida.

De la supuesta “amistad” con Fidel Castro hay varias instantáneas de un único y fugaz  encuentro,  la entrega del premio en el Torneo de pesca del pez espada “Ernest Hemingway”. La constancia de esto la encontré en el libro  “Correr con los toros” de su secretaria personal Valerie Hemingway. El encuentro duró apenas unos minutos en el que intercambiaron un par de frases.

 
¿Cómo se explica esta foto con dedicatoria tan personal, si solo una vez se encontraron estos dos personajes?
De las pertenencias que quedaron en la Finca La Vigía, solo pocas cosas pudo rescatar  la esposa de Hemingway en un breve regreso a la isla, a pesar de tener la promesa del propio Castro de que podría llevarse todo lo que quisiera. Quede esta última información como reflexiva respuesta.
 
 

 


sábado, 29 de septiembre de 2012

Dustin Hoffman, premio Donostia. 60º Festival de Cine de San Sebastián.

 
 

Terminó la gala de premios del Festival de Cine de San Sebastián (aparte de una confusión durante uno de los premios), destacadísimo el momento en que después de recibir el premio Donostia, Dustin Hoffman se emocionó al hablar de la importancia del cine con una humildad admirable. ¡Es que los grandes, son los más humildes!


viernes, 14 de septiembre de 2012

Toulouse Lautrec, el contemporáneo. Fotografía y publicidad.

Era habitual en Toulouse Lautrec la práctica de a partir de fotografías  realizar una obra pictórica. Su amigo, el fotográfo Paul Sescau le facilitaba el material fotográfico, y este es el caso de la obra “À la miè”  realizada en 1891, acuarela y guache sobre papel, 53 x 67,8 cm. En ella aparece Maurice Guilbert y una desconocida.  La composición varío al añadirle, un par de vasos medios llenos de vino, una botella, un plato, cambiando la expresión de ambos rostros, reflejando en ellos, la saciedad, el aburrimiento y el alcoholismo de un ambiente deprimente en un desayuno después de una borrachera.
          
 
También manipulaba las fotos pintando sobre ellas. En la obra “Yvette Guilbert saludando al público” 1984 reproducción sobre papel fotográfico realizada con pintura al óleo, 48x28 cm. Toulouse Lautrec coloreó con óleo diluido con aguarrás, una fotografía hecha al dibujo original. Consiguió suavidad en el vestido y en los guantes de la cantante, aunque el rostro tratado con leves pinceladas nos presente una imagen caricaturizada del personaje que por cierto no quedó en modo alguno contenta con la obra.

 Jules Chéret está considerado el “padre” del cartelismo, pero Toulouse Lautrec incorporó innovaciones que le hacen acreedor del título de “creador” del auténtico cartel moderno. Cuando en el verano de 1891 al artista se le encargó la realización del cartel que anunciaba la nueva temporada del Moulin Rouge, París descubriría la frescura y el poder de la publicidad.
Utilizando toda la superficie del cartel, presentó a los protagonistas del espectáculo, con una gran intensidad cromática y extrema economía de formas. La gran novedad que aportaba esta composición era la posición escalonada de las siluetas estilizadas, que creaban una fuerte sensación de profundidad. Es importante destacar que  el artista quería que el espectador reconociera a las figuras del Moulin Rouge, las cuales eran las verdaderas atracciones del local, con esto demostraba un gran sentido comercial, que es en si el objetivo buscado en la publicidad.
Publicidad y Arte se habían unido por primera vez, Toulouse Lautrec era el “culpable”.

 Henry Marie-Raymond de Toulouse-Lautrec-Monfa. Albi, 24 de Noviembre1864- Saint-André-du-Bois, 9 de Septiembre 1901.